最晩年のバーンスタインが、1990年のPMFでシューマンの交響曲第2番を取り上げたように、バーンスタインにとってシューマンは特別な作曲家であった。1943年の代役でのセンセーショナルなニューヨーク・フィル・デビューでシューマンの「マンフレッド」序曲を振ったのは、もともとワルターが振る予定だったプログラムに入っていたからではあるが、早くも1953年には、ニューヨーク・スタジアム交響楽団を指揮して、シューマンの交響曲第2番を録音している。その後、1960年にニューヨーク・フィルとシューマンの交響曲全集を録音。そして、1984年から1985年にかけて、ウィーン・フィルとも交響曲全集を録音した。

1953年にニューヨーク・スタジアム響と録音したシューマンの交響曲第2番については、その音源を使って、自らナレーションを務めた「楽曲分析」の録音も聴くことができる。ここで説明されているのは、シューマンの管弦楽法の素晴らしさ、ユニークさ。今でこそ、クラシック音楽の作品はオリジナルな楽譜が重んじられているが、20世紀の前半は、指揮者が勝手にオーケストレーションを変えてしまうことは日常的で、「オーケストレーションに難がある」と決めつけられていたシューマンの交響曲などは、マーラーが全曲を編曲し直したりもしていた。だからこそ、バーンスタインは敢えてシューマンのオーケストレーションの魅力について語ろうとしたのだろう。

例えば、第1楽章冒頭の金管楽器の使い方について「素晴らしい抒情性や静かな神秘性を獲得していて、単なるトランペットの音ではなく、あたかも宇宙の果てから来たような音」と述べる。そしてシューマンのオーケストレーションについて、「古典的な観点からすると、こんなに教科書通りではないオーケストラの扱いは見当たりません」という。

そして最大の聴きどころとして、第3楽章の48小節目（全曲盤の4分18秒あたり）からを解説する。

「そして間違いなく最も恍惚とするような音楽のクライマックスの一つが訪れます。メロディがこれ以上届かない高さまで舞い上がり、それがトリルとなって長く下降していきます。この偉大なクライマックスが、弦、ホルン、クラリネット、ファゴットという、とても控え目な楽器編成によって達成されていることに注目してください。それらだけなのです。そのシンプルなオーケストレーションは奇跡的です。そして、この地上から舞い上がっているようなトリルの下では、木管のソロが地上に戻り、悲しげに、まるで偉大なプリマ・ドンナのたいへんなカデンツァのように歌います。それは自由で瞑想的で純粋な歌です。なんと美しく、なんとシンプル。それなのになんと独創的で感動的なオーケストレーションなのでしょう」

35歳のバーンスタインは、このニューヨーク・スタジアム響との録音で、じっくりと第3楽章を歌い上げている（11分53秒ほどかかっている。それでも、32年後に録音したウィーン・フィルとの演奏よりは2分ほど速いのではあるが）。

PMF2024の首席指揮者はマンフレート・ホーネック、客演指揮者はエリアス・グランディであった。会期の前半にはドイツ出身の若きマエストロ、グランディが登場。2025年4月に札幌交響楽団の首席指揮者に就任する彼は、2004年にチェリストとしてPMFオーケストラに参加し、2012年にはコンダクティング・アカデミー生として研鑽を積んだ、PMFのOBである。

7月14日のPMFオーケストラ演奏会では、R. シュトラウスの交響詩「ドン・ファン」、プロコフィエフのヴァイオリン協奏曲第1番、ドビュッシーの「牧神の午後への前奏曲」、ストラヴィンスキーのバレエ組曲「火の鳥」（1919年版）が演奏された。グランディは、「ドン・ファン」を速めのテンポで鮮やかに描く。オーケストラは一体感があり、アンサンブルが良い。速いパッセージも弦楽器が上滑りしないでしっかりと鳴っている。長大なソロを吹いたオーボエは、個性的な音で、上手い。プロコフィエフでは、クララ=ジュミ・カンが独奏を務めた。カンは、音に張りと艶があり、しっかりと芯のある音を奏でる。この日の彼女の演奏には、抒情性よりも、明快さや強靭さが感じられた。オーケストラは、合わせるのが決して容易ではない作品だが、健闘し、充実した共演となった。

「牧神の午後への前奏曲」では、グランディが細やかな指揮を披露。そして音楽が高揚するところでは腕を大きく広げた。弦楽器が美しく、フルートも良かった。最後の「火の鳥」では、ライナー・キュッヒル（コンサートマスター）、ダニエル・フロシャウアー（ヴァイオリン）、アンドレアス・ブラウ（フルート）、ジョナサン・ケリー（オーボエ）、サラ・ウィリス（ホルン）ら教授陣も演奏に参加。キュッヒルのリードはさすがであり、ケリーも素晴らしい音色を聴かせてくれた。グランディは、情景が目に浮かぶような、ビジュアル的な音楽を作り上げた。

会期の後半には、元ウィーン・フィルのヴィオラ奏者で、現在、ピッツバーグ交響楽団の音楽監督を務めるマンフレート・ホーネックが登場。7月30日のPMFオーケストラ東京公演では、モーツァルトのピアノ協奏曲第22番とマーラーの交響曲第5番が取り上げられた。モーツァルトの独奏はウィーン出身のティル・フェルナー。つまり、ウィーンと関わりの深い作曲家及び演奏家によるコンサートとなった。

モーツァルトでは、フェルナーは、優美で粒立ちのよいフォルテピアノのような音を奏でる。ハ短調の第2楽章での表現に深みを感じる。第3楽章は脱力した軽やかな演奏。オーケストラも、力むことなく、モーツァルトにふさわしい音。重要な木管楽器陣も上手い。

マーラーの交響曲第5番では、ホーネックがその箇所その箇所でのほしい音色（こだわり）を具現化。よほど厳格なリハーサルがなされたのであろう。弦楽器は、厚みも透明感もあり、多彩。金管楽器陣が見事。アンコールにR. シュトラウスの「ばらの騎士」からワルツが演奏された。

全体を通して、オーケストラの演奏は、コロナ禍前の高い水準に戻ったように感じられた。

数多いバーンスタインのマーラーのディスクのなかでも、私が特に好きなのはウィーン・フィルとライブ録音した交響曲第5番（1987年9月）である。とりわけ終楽章は本当に素晴らしいと思う。最後に金管楽器が勝利の歓喜を表すようなコラール（711小節目から、13分28秒あたりから）を吹奏するが、ここは、それに合わせてまさに一丸となって細かい音符を奏でている弦楽器群及び木管楽器群に注目したい。

多くの演奏では、弦楽器と木管楽器の細かい動きは金管楽器にかき消されてしまうが、ウィーン・フィルの弦楽器と木管楽器はそれが歌であるかのように一音一音（とても速いが）歌い込む。そしてペザンテに入る2小節前（729小節、13分48秒あたり）からのリタルダンド（テンポが少しずつ遅く変化する）では、本当に指揮者とオーケストラとが息を合わせて一体となっていることを感じる。バーンスタインとウィーン・フィルの20年以上の付き合いゆえの合一感といえるだろう。そして、ペザンテ（731小節目、13分50秒あたり）からの弦楽器群の音符の刻みの長さを変化させながらのアンサンブルの見事さ。まさにウィーン・フィルの底力に圧倒される。

マーラーの交響曲第5番では、ハープと弦楽器群によって演奏される第4楽章「アダージェット」がヴィスコンティ監督の映画「ヴェニスに死す」（1971年公開）で使われたこともあり、よく知られているが、バーンスタインの指揮する「アダージェット」といえば、1968年6月、ロバート・ケネディ（ジョン・ケネディ大統領の実弟）が暗殺され、ニューヨークの聖パトリック大聖堂で行われた彼の葬儀での演奏が思い出される（録音も残っている）。また、1987年11月、エイズ撲滅運動に協賛してニューヨークのカーネギーホールで開催されたチャリティ・コンサート「ミュージック・フォー・ライフ」でもバーンスタインはマーラーの「アダージェット」を取り上げた（これもかつてCD化された）。エイズの犠牲者を追悼する意味があったに違いない。ともに祈りのような演奏である。

マーラーは、交響曲第5番を創作している期間にアルマと出会い、結婚した。マーラーと親交のあった指揮者のウィレム・メンゲルベルクは「このアダージェットは、グスタフ・マーラーの、アルマへの愛の表明であった！マーラーはアルマに手紙の代わりにその楽譜を送った」と書いている。その真偽は定かではないが、私も、「アダージェット」でマーラーはアルマへの愛を描いていたように思う。

「アダージェット」に、愛を感じても、祈りを感じても、あるいは「ヴェニスに死す」のような頽廃を感じても良い。実際の演奏会では、先入観にとらわれずにこの美しい「アダージェット」を聴くことをオススメします。

バーンスタインは、指揮活動の合間に作曲を行っていたような印象を受けるが、彼が亡くなって30年以上が経ち、改めて彼の作品を概観すると、バーンスタインは、一つ一つの作品に自分の描きたいことを述べ、トータルで自分を語り尽くしていたように思われる。

交響曲第1番「エレミア」（1942年完成）では、敬虔なユダヤ教徒であった父親（ウクライナ出身のユダヤ人）から強い影響を受けた彼が、自らの出自を描いている。つまり、ユダヤ人がどうして祖国を失い、放浪の民となったか、その原点ともいえる「バビロン捕囚」前後の出来事を題材として交響曲を書いたのであった。

交響曲第2番「不安の時代」（1949年初演）は、ニューヨークのバーで三人の男性と一人の女性が会話をかわす、W. H. オーデンの同名の詩にインスピレーションを受けて書かれた。ここでは神を信じられなくなった現代人の不幸と信仰の回復が描かれる。

第3番「カディッシュ」（1963年初演）では、ユダヤ教徒である彼の神に対する愛憎入り混じった複雑な感情が吐露されている。バーンスタインは、戦争や自然災害など人間の困難な現状に対して何も応えてくれない神に対して、懐疑を抱き、怒りに近い気持ちをぶつける。しかし、最終的には、神と和解し、ともにあることを呼びかける。語り、ソプラノ独唱、合唱を伴う大規模な交響曲である。

「カディッシュ」とは、死者に捧げるユダヤ教の祈りの言葉。「聖化」を意味する。合唱や独唱者に歌われる歌詞は、「カディッシュ」の祈りから採られ、ヘブライ語、アラム語で書かれているが、語りのテキストは、バーンスタイン自身によって英語で書かれ、彼の思想がストレートに表明されている。この交響曲には、3つのカディッシュが含まれ、第1楽章の不安定なカディッシュが、第2楽章のソプラノが歌う子守歌のようなカディッシュを経て、第3楽章の児童合唱が歌う喜ばしいカディッシュへと至る。原爆投下40周年の1985年8月6日、バーンスタインは、ECユース・オーケストラとともに広島を訪れ、自らこの交響曲を指揮したのであった。

バーンスタインは、1976年にドイツ・グラモフォンと契約を結ぶと、まず、イスラエル・フィルと自作の交響曲の録音を希望し、1977年に彼らと全交響曲を録音した。

バーンスタインは、ユダヤ人として第1番を、現代人として第2番を、人間として第3番を書いたといえるかもしれない。そしてそれらを発展させたのが、シアターピース「ミサ」（1971年初演）である。彼は、既成の宗教的な権威へ異議を申し立て、民衆一人ひとりによる、新たな信仰の構築を目指す。また、第4次中東戦争で死んだイスラエルの若いフルート奏者に捧げた「ハリル」（1981年初演）では、バーンスタインの反戦思想や平和への希求が示されている。

バーンスタインのシリアスな作品には彼のその時々の問題意識が表れていて、それらを聴けば、バーンスタインがどういう思想の持ち主であったか、よくわかる。